On ne devrait rien jeter. Tout peut revivre et parfois même, se voir offrir une seconde vie meilleure que la première, lorsqu’elle celle ci fut un peu ratéee, ce qu’est finalement plus ou moins toute vie, et ce même si il y a des nuances, des gradations dans le foirage existentiel. Ce qui permet ces gradations, c’est que certains, justement, ne font pas dans la nuance au moment de laisser leur trajectoire de life partir en sucette, et réussissent tellement bien à échouer que nous avons tous l’air d’être des vainqueurs à leurs côtés. Prenez Jeanne-Paule Marie Deckers, par exemple, connue de son entourage sous le prénom plus simple de Jeanine (pas de sarcasmes, s’il vous plait, vous allez voir pourquoi), mais plus connue du grand public sous le pseudonyme niaiseux de Soeur Sourire.

Côté face, la religieuse idéale, avec sa guitare en bandoulière. Celle qu’on voit mal écarteler des hérétiques, partir en croisade contre l’infidèle ou abuser d’ouailles pré-pubères. Non, plutôt la nonne telle qu’on la voit dans Y a t-il un pilote dans l’avion, qui chante ses cantiques remixés à la sauce Hugues Aufray en débranchant dans l’allégresse les perfusions de l’enfant qu’elle souhaite ainsi divertir, la bonne cousine que la tradition familiale a envoyée au couvent, quoi. Elle chantait bien, Jeanine, et ses consoeurs appréciaient qu’elle prenne sa guitare, le soir, au coin du feu, pour qu’elle les enchante de sa voix douce entre vêpres et complies. « Oh oui Soeur Sourire, chantez nous de nouveau Plume de radis avant que l’extinction des feux ne nous plonge dans l’obscurité et les turpitudes ». Elle chantait si bien que l’Eglise de Belgique trouva judicieux de la faire sortir du couvent, de l’enfermer en studio afin d’enregistrer quelques album qui eurent pour effet de participer à l’eniaisement des cathos et affiliés, et de remplir substantiellement les caisses du clergé belge (5% sur les ventes) et Philips (95%, un contrat bien négocié en somme). Totalement inconsciente, Soeur Sourire débitait son Dominique nique nique comme d’autres chantaient qu’elles aimaient les sucettes, croyant voir dans le sourire des auditeurs le témoignage d’une humanité fraternelle. La pauvresse.

Le clergé s’enrichissait un peu, Philips, sa maison de disques, engrangeait beaucoup, mais on mettait les impôts au nom de la ravie de la crèche, qui n’ayant rien touché de ce que la Sacem avait versé à d’autres qu’elle, se trouva fort dépourvue lorsque fut venu le temps de payer ses dettes à une nation finalement fort peu reconnaissante de ses dons de joueuse de flutiaux : l’Eglise n’avait plus rien à dire, et plutôt qu’affirmer le contraire, elle vendait ce vide sous forme de galettes de vinyle écervelée, et non seulement on n’y voyait que du feu, mais encore ça rapportait une vraie fortune, et ce bien au delà des frontières belges. Ne pouvant aimer Dieu et l’argent, l’Eglise et Philips dépossédaient Soeur Sourire de ce qui lui revenait, mais n’oublièrent pas de lui envoyer la note des impots. Manque de foi, brusque accès de conscience, moment de lucidité retrouvée derrière quelque pilier de Notre Dame ? Soeur Sourire en vint à se défroquer pour retrouver la vie civile, et c’est sous le pseudonyme de Luc Dominique qu’elle tentera de séduire de nouveau les foules qui auront entre temps trouvé d’autres sources auxquelles remplir leurs carnets de chants du dimanche, au sein desquels se trouvait, et se trouve sans doute encore (tout ceci est tellement figé) un refrain dans lequel Jeanne-Paule Marie Deckers dut se reconnaître : « Je suis une petite cruche », un vase vide, avec de la boue dedans. C’est l’image du Saint, celui qui n’est que ce qu’il est, mais qui attend que le Seigneur le remplisse.

Côté pile, dès lors, la lesbienne junkie. Jeanine, petite cruche dans la cave de Dieu ne fut pas reconnue par l’Eglise, ni par le public comme un millésime méritant d’être conservé. Jetée dans l’oubli elle connut ensuite une trajectoire de boxeur déchu : se découvrant lesbienne, elle tenta de bâtir avec sa compagne un foyer qui fut cependant sans cesse persécuté par les dettes. Tout se paie en ce bas monde et on ne peut pas surfer sur la renommée christique sans souffrir soi même dans sa chair. John Lennon le sait bien. Ainsi le couple ne connut il aucun répit, et ce furent les médicaments et la drogue qui constituèrent la nouvelle divinité, non moins exigeante et jalouse que la précédente. En 1985, tout ceci prit fin, dans un acte final de reprise en main du destin : Jeanine et sa compagne mirent fin à leurs jours, pour solde de tous comptes. Fin de l’histoire.

Mais il existe pour les artistes maudits, ceux qui, pratiquants de l’art brut ont été détournés de leur pureté initiale par quelque avidité prédatrice, cherchant dans ce bas monde un ou deux petits talents à presser, puis engloutir, il existe pour eux un paradis, et il est terrestre. Ainsi, Soeur Sourire retrouve une seconde jeunesse, et une vie au-delà de ce que fut la sienne dans les réverbérations et les filtres d’un musicien répondant au doux pseudonyme de Deru, Benjamin Wynn de son vrai (le pseudonyme est il un faux ?) nom. En ouverture de son nouvel album, intitulé Say goodbye to useless, il transfère les cendres de Soeur Sourire au Panthéon des sons, en récupérant ce qui ressemblait fort, à l’origine, à une aimable et béate comptine, pour en faire une sorte de message spectral, un écho céleste d’une voix qui, en montant au ciel, aurait enfin saisi que ce genre d’ascension n’est pas à prendre à la légère. Jeanine aurait donc appris l’art complexe de l’ascension par gravité, ce genre de pratique qui est interdite à ceux qui croient qu’on monte au ciel en ayant des ailes d’ange. Dans les deux morceaux successifs que sont I would like et I want, dont je propose ici le second (le premier se trouve, en fait, là : clique ici même et la bobinette cherra). Comme le vent quite le créneau pénible du croisement entre Joan Baez, Yves Duteil pour pénétrer les sphères célestes des sons qui veulent plus rien dire, mais disent. En art, une grande partie de l’essentiel tient à ce genre de nuances. Et on réalise alors qu’en musique, tout n’est qu’affaire de traitement du son. D’une certaine manière, on n’apprend rien : intellectuellement parlant, on le savait déjà, mais on l’éprouve finalement si peu… Là où une Céline Dion semble s’ingénier à demeurer sous le vent, Luc Dominique surfe enfin sur les courants ascendants, et telle une montgolfière géante, gonflée par un mélange d’hélium et d’air chaud (pas sûr que ce genre de mélange ne finisse pas dans une remake de l’Hinderburg, mais bon, c’est une image…), elle embarque tout son petit monde avec elle, pendu à ses lèvres vocoderisées.

Alors, enfin, on comprend ces mots, qu’on aime tant haïr à la hauteur de la haine que Nietzsche a pu leur vouer (et là, on va mettre certains devant un choix cornélien) :

« Heureux les pauvres de cœur : le Royaume des cieux est à eux.
Heureux les doux : ils auront la terre en partage.
Heureux ceux qui pleurent : ils seront consolés.
Heureux ceux qui ont faim et soif de la justice : ils seront rassasiés.
Heureux les miséricordieux : il leur sera fait miséricorde.
Heureux les cœurs purs : ils verront Dieu.
Heureux ceux qui font œuvre de paix : ils seront appelés fils de Dieu.
Heureux ceux qui sont persécutés pour la justice : le Royaume des cieux est à eux. »

Pour Jeanne-Paul Marie Deckers,
Amen.

A l’occasion de quelques recherches sur l’esprit du football (oui, sans être vraiment tenté de regarder des matches, et moins encore d’aller au stade, il me semble cependant que se joue au foot quelque chose qui dépasse le cadre de la surface de jeu, et ça ne m’étonnerait pas que ces onze joueurs un peu fragiles, un peu comédiens, un peu truands sur les bords, mais aussi, dans des moments de fulgurance surgis de nulle part, comme si la pelouse se mettait à transpirer d’un coup de la métaphysique, accrobates, manipulateurs de feu divin, fassent de temps en temps un tour dans la demeure des dieux pour aller y faucher, en douce, un feu dont ils frappent ballons et cages adverses, soulevant des stades, des peuples entiers, parfois même ceux qui ne les supportent pas, dans des gestes surnaturels qui emportent tout, cuir, gazon, poteaux, filets, gants du gardien, et phalanges avec, regards, arrêts cardiaques, pics encéphalographiques dans ces trajectoires inespérées), je suis tombé sur un certain nombre d’ouvrages et de films qui sont parvenus à susciter en moi davantage d’enthousiasme que les retransmissions des matchs elles-mêmes. Le résultat de cette ébauche d’enquête peut être retrouvé dans le monde parallèle, en cliquant ici-même.

Evidemment, à l’approche de la coupe du monde 2010, organisée dans ce pays d’avenir qu’est l’Afrique du Sud, le côté légèrement minable de notre équipe de France fait un peu tâche dans cette hypothétique aspiration spirituelle. Non pas qu’elle soit techniquement nulle, je ne saurais en juger; le problème relèverait plutôt d’un léger manque de générosité, d’un égocentrisme qui fait drôle à voir au sein même d’un sport qui est, normalement, un sport d’équipe. Mais la figure de proue de cette équipe demeure son sélectionneur. Et on le sait bien, nous autres français, de ce point de vue, on est gâtés.

Sélectionneur… on se demande pourquoi on ne lui donne pas tout simplement le titre de DRH, puisqu’on en est là…

Justement, en 1995, l’écrivain uruguayen Eduardo Galeano consacrait un livre à ce qu’on pourrait appeler l’Esprit du football : Le Football, ombre et lumière. L’ouvrage est souvent épatant, parvenant à extraire des mouvements parfois insensés effectués sur le terrain un rituel partagé entre joueurs, encadrement et public. Mais le livre s’intéresse aussi à ces blocs de béton qu’on semble vouloir attacher aux chevilles de ce sport qui a tant besoin d’avoir les pieds libres. Et dès les premières pages, on s’attaque au directeur technique. Ca donne ça :

« Autrefois il y avait l’entraineur, et personne ne lui accordait trop d’attention. L’entraineur est mort , sans piper mot, quand le jeu a cessé d’être un jeu et que le football a eu besoin d’une technocratie de l’ordre. Alors est né le directeur technique, avec pour mission d’éviter les improvisations, de contrôler la liberté et d’élever au maximum le rendement des joueurs, obligés à se transformer en athlètes disciplinés.
L’entraineur disait :
- Nous allons jouer.
Le directeur technique dit :
- Nous allons travailler.
Aujourd’hui on parle en numéros. Le voyage de l’audace à la peur, histoire du football au XXe siècle, est un passage du 2-3-5 au 5-4-1, via le 4-3-3 et le 4-4-2. N’importe quel profane est capable de traduire cela, si on l’aide un peu, mais après, plus personne ne peut rien comprendre. A partir de là, le directeur technique développe des formules aussi mystérieuses que la conception de Jésus, et élabore avec elles des schémas tactiques plus indéchiffrables que la Très-Sainte Trinité.
Du vieux tableau noir aux écrans électroniques : aujourd’hui, les actions magistrales se dessinent sur ordinateur et s’enseignent par la vidéo. Ces perfections ne se voient que rarement, ensuite, au cours des matchs retransmis par la télévision. La télévision se complaît plutôt à exhiber la crispation du visage du directeur technique, qu’elle montre en train de se mordre les poings ou de crier des orientations qui changeraient le cours de la partie si quelqu’un pouvait les comprendre.
Après la rencontre, lors de la conférence de presse, les journalistes le criblent de questions. Le directeur technique ne révèle jamais le secret de ses victoires, bien qu’il formule d’admirables explications de ses défaites :
« Les consignes étaient claires, mais elles n’ont pas été respectées », dit-il, quand l’équipe prend une raclée devant une petite équipe de rien du tout. Ou bien il ratifie sa confiance en lui-même, en parlant à la troisième personne et plus ou moins comme ceci : « Les revers subis ne compromettent pas la conquête d’une clarté conceptuelle que le directeur technique a caractérisée comme une synthèse des nombreux sacrifices nécessaires pour arriver à l’efficacité ».
La mécanique du spectacle triture tout, rien ne dure, et le directeur technique est aussi jetable que n’importe quel autre produit de la société de consommation. Aujourd’hui, le public lui crie :
-Longue vie à toi !
et le dimanche suivant il l’invite à mourir.
Il croit que le football est une science et le terrain un laboratoire. Mais les dirigeants et les supporters n’exigent pas seulement de lui le génie d’Einstein et la subtilité de Freud, ils lui demandent aussi de faire des miracles comme la Vierge de Lourdes et d’être impassible comme Gandhi. »
Eduardo Galeano – Le Football, Ombre et Lumière, p.12

On précisera que l’ouvrage aborde ce sport aussi bien dans sa dimension purement sportive (les joueurs, les matchs, les gestes), mais aussi dans sa dimension géopolitique. Cet aspect est repris par Michéa dans Les intellectuels, le peuple et le ballon rond, conçu comme un hommage au livre de Galeano, dont il propose d’amples extraits. Mais tout ceci se trouve dans la bibliographie citée plus haut.

Dans les enquêtes harrystautéliciennes, quelques lignes de Godard, chipées dans le numéro des Inrockuptibles de cette semaine, à propos de la dette extérieure de la Grèce, et de ce qu’on pourrait appeler « d’autres valeurs », ou bien l’origine des valeurs actuelles, peuvent être lues.

Mais l’interview est intéressante à d’autres titres, ne serait ce que dans sa dimension politique : Godard y revient à plusieurs reprises sur la question des droits liés aux oeuvres. A l’heure où Hadopi tente de lancer ses premières menaces, lorsque certains rêvent de voir tous les ordinateurs français badgés « loppsi inside », déjà dépassés par ceux qui trouvent que « Acta », ça sonne plus contemporain, parce que plus « planétaire », qu’un artiste ne nous joue pas le couplet de la ruine induite par les moyens de communication du moment fait plaisir à lire, à défaut de permettre de disposer d’un modèle économique fiable pour garantir ne serait ce qu’un salaire minimal à ceux qui produisent ce qui, ensuite, se répand.

On ne doute pas que nombreux sont ceux qui considéreraient les revenus de Godard comme décevants au regard de ce que l’industrie du cinéma peut laisser espérer à ceux qui n’en ont jamais assez. Lui a l’air de ne pas se plaindre plus que ça. Il a surtout l’air de se concentrer sur autre chose, qui semble placer ses gains sur un second plan, celui des moyens, l’essentiel semblant se cacher quelque part, au dessus.

On ne s’étonnera pas, dès lors, de constater que s’il ne semble pas se préoccuper outre mesure de la commercialisation de ses oeuvres, préférant délirer gentiment sur des hypothèses  délirantes de distribution de son dernier film via un couple de parachutistes largués au hasard sur le territoire, il ne se considère pas, non plus, comme propriétaire de ses films, ne réclamant pas de droits à ceux qui récupèrent dans ses propres métrages de quoi alimenter leurs propres montages.

Il serait difficile de résumer le cinéma de Godard à quelques mots tentant de le définir. Néanmoins, la citation est au coeur de ses films, qu’elle ait sa source dans la littérature, la peinture, la musique ou le cinéma lui même. Chez lui, il faut que les images, les plans, les séquences, circulent, parce que c’est dans ce mouvement qu’ils gagnent en sens; il n’y a pas de culte de l’image seule chez Godard, et au sens strict, on peutdire qu’il fait de l’image mouvement. Evidemment, ça a des conséquences économiques, dont on peut dire que les mesures actuelles concernant la circulation des oeuvres n’ont pas exactement saisi l’importance :

« Si on dit socialisme, on peut parler de politique. Par exemple de la loi Hadopi, de la question du téléchargement pénalisé, de la propriété des images…
- Je suis contre Hadopi, bien sûr. Il n’y a pas de propriété intellectuelle. je suis contre l’héritage, par exemple. Que les enfants d’un artiste puissent bénéficier des droits de l’oeuvre de leurs parents, pourquoi pas jusqu’à leur majorité… Mais après, je ne trouve pas ça évident que les enfants de Ravel touchent les droits sur le Boléro…
- Vous ne réclamez aucun droit à des artistes qui prélèvent des images de vos films ?
- Bien sûr que non. D’ailleurs, les gens le font, mettent  ça sur internet et en général c’est pas très bon… Mais je n’ai pas le sentiment qu’ils me prennent quelque chose. Moi je n’ai pas internet.  Anne-Marie (Miéville, sa compagne et cinéaste – ndlr) l’utilise. Mais dans mon film, il y a des images qui viennent d’internet, comme ces images de deux chats ensemble.
- Pour vous, il n’y a pas de différence de statut entre ces images anonymes de chats qui circulent sur internet et le plan des Cheyennes de John Ford que vous utilisez aussi dans Film Socialisme ?
Statutairement, je ne vois pas pourquoi je ferais une différence. Si je devais plaider légalement contre les accusations de pillage d’images dans mes films, j’engagerais deux avocats avec deux systèmes différents. L’un défendrait le droit de citation, qui n’existe quasiment pas en cinéma. En littérature, on peut citer largement. Dans le Miller (Vie et débauche, voyage dans l’oeuvre de Henry Miller – ndlr) de Norman Mailer, il y a 80% de Henry Miller et 20% de Norman Mailer. En sciences, aucun scientifique ne paie des droits pour utiliser une formule établie par un confrère. Ca, c’est la citation et le cinéma ne l’autorise pas. J’ai lu le livre de Marie Darrieussecq, Rapport de police, et je le trouve très bien parce qu’elle fait un historique de cette question. Le droit d’auteur, vraiment ce n’est pas possible. Un auteur n’a aucun droit. Je n’ai aucun droit. Je n’ai que des devoirs. Et puis dans mon film, il y a un autre type d’emprunts, pas des citations mais simplement des extraits. Comme un piqûre lorsqu’on prend un échantillon de sang pour l’analyser. Ca serait la plaidoirie de mon second avocat. Il défendrait par exemple l’usage que je fais des plans de trapézistes issus des Plages d’Agnès. Ce plan n’est pas une citation, je ne cite pas le travail d’Agnès Varda : je bénéficie de son travail. C’est un extrait que je prends, que j’incorpore ailleurs pour qu’il prenne un autre sens, en l’occurence symboliser la paix entre Israël et Palestine. Ce plan, je ne l’ai pas payé. Mais si Agnès me demandait de l’argent, j’estime qu’on pourrait le payer au juste prix. C’est à dire en rapport avec l’économie du film, le nombre de spectateurs qu’il touche…
- Pour exprimer la paix au Moyen-Orient par une métaphore, pourquoi préférez-vous détourner une image d’Agnès Varda plutôt qu’en tourner une ?
- Je trouvais la métaphore très bien dans le films d’Agnès.
- Mais elle n’y est pas…
Non, bien sûr. C’est moi qui la construis en déplaçant l’image. Je ne pense pas faire du tort à l’image. Je la trouvais parfaite pour ce que je voulais dire. Si les Palestiniens et les Israeliens montaient un cirque et faisaient un numéro de trapèze ensemble, les choses seraient différentes au Moyen-Orient. Cette image montre pour moi un accord parfait, exactement ce que je voulais exprimer. Alors, je prends l’image, puisqu’elle existe.
- Le socialisme du film consiste à saper l’idée de propriété, à commencer par celle des oeuvres…
Il ne devrait pas y avoir de propriété des oeuvres. Beaumarchais voulait seulement bénéficier d’une partie des recettes du Mariage de Figaro. Il pouvait dire « Figaro, c’est moi qui l’ai écrit ». Mais je ne crois pas qu’il aurait dit « Figaro, c’est à moi ». Ce sentiment de propriété des oeuvres est venu plus tard. Aujourd’hui, un type qui pose des éclairages sur la tour Eiffel, il a été payé pour ça, mais si on filme la tour Eiffel on doit encore lui payer quelque chose.
(…)-  L’avant dernière citation du film est : « Si la loi est injuste, la justice passe avant la loi »…
- C’est par raport au droit d’auteur. Tous les DVD commencent par un carton du FBI qui criminalise la copie. Je suis allé chercher Pascal. »
Les Inrockuptibles n°754, du 12 Mai 2010, supplément spécial Cannes, p. XIX sq.

Un autre extrait, davantage focalisé sur la dette grecque, peut être lu en cliquant ici même.

J’irais bien faire un tour du côté de chez oim, pour voir si y a kekchos’à s’y mettre sous la dent.

Du côté de chez Harry, en vrac, on trouvera :

Simone Weil en .pdf, parce que, La condition ouvrière, au moment où Florence Aubenas sort le quai de Ouistreham, ça permet d’éviter d’affirmer que cette méthode d’investigation est nouvelle. On rappellera que Simone Weil s’engagea dans le travail ouvrier mais qu’elle ne s’en désengagea point : quand elle reprit le chemin des salles de cours, elle ne garda de son salaire que ce qui correspondait au salaire ouvrier, versant le reste, comme surplus, à des caisses de solidarité. Evidemment, elle fait partie de ceux qui font qu’on se sent perpétuellement un peu bourgeois. On essaie de s’y faire. On devrait pas. Pour se payer le luxe de vivre la condition ouvrière tout en continuant à gagner plus, il faut cliquer ici.

Du coup, comme j’ai fureté dans quelques revues qui feraient confondre Libération avec le Figaro, je suis tombé sur un texte de Malraux sur l’art populaire, qui répondait à quelques commentaires. Ce texte pourra se lire en cliquant ici même.

Du travail répétitif à l’usine aux boucles des samples de la musique contemporaine, il n’y a qu’un pas que Gondry franchit en compagnie de Noir Désir sur A l’envers à l’Endroit, c’est par ici. Et dans l’outremonde, on va le voir, la musique semble avoir pris ses quartiers d’été.

Ca fait un moment que je veux ouvrir une rubrique « bagnoles » ici, ne serait ce que pour faire râler les lecteurs qui n’en ont pas, ainsi que ceux qui s’en contrefoutent (ils peuvent être les mêmes). Dans cette rubrique imaginaire, une sous-rubrique serait consacrée aux films de bagnoles. Dans mon panthéon personnel, Vanishing Point se tient au sommet. J’y reviens régulièrement, et un jour, j’aurai une Dodge. La bande annonce est là, mais si on fouille, on peut trouver vraiment très souvent ce film cité dans mes articles.

Ca y est, les écrans ciné débordent de 3D. Il n’y a pas un film qu’on n’a pas envie de voir qui ne soit proposé en version troisdimensionalisée. Fort bien. Mais qu’est ce que ça apporte au cinématographe ? Peut être un peu plus que ce que nous autres, esprits grincheux ou amblyopes voulont (ou pouvons, en l’occurrence) bien y voir. Les Cahiers du Cinéma se sont intéressés à la question. Davantage sur la question en se rendant ici même.

Aaaaahhhh… L’argent… Voila qui met au moins tout le monde d’accord, même si cet accord sur la valeur sème immédiatement le désaccord sur les modalités de son partage. On manque de lecture sur l’argent, au moins autant qu’on manque d’argent, c’est dire. Le livre d’Aglietta et Orléan, La Violence de la monnaie, propose une analyse de ce qui apparaît, sous leur plume imprimante, comme irréductible à un simple outil d’échange. L’ouvrage est quasi introuvable, alors en suivant ce lien, on peut parvenir à son chapitre 4, qui m’a semblé être simplement crucial. Il FAUT le lire, je crois.

Guy Debord a écrit un traité du Poker. Fut il à ce point fasciné par Patrick Bruel ? Arrondissait il les fins de mois en jouant les arnaqueurs autour du tapis de jeu ? Laissait il de gros pourboires aux croupiers ? Nul ne peut vraiment en témoigner, et comme il s’agit de Debord, toutes les hypothèses seront envisagées. Toujours est il que ce court texte (vraiment très court, ne réservez pas votre journée pour le lire) est une petite entreprise de détournement comme seul  un situationniste sait les pratiquer. On peut lire ça par ici.

Varèse, vous connaissez ? Le public du théâtre des Champs Elysées, le soir du 2 Décembre 1954, il ne connaissait pas non plus. Ca donne un concert pour le moins très TRES etrange, au cours duquel les auditeurs font preuve d’une violence verbale qui a laissé des traces tout à fait audibles sur l’enregistrement, dont nous disposons aujourd’hui. Envie de faire une petite expérience auditive ? Accrochez vous, mais si vous franchissez les tempêtes esthétiques du morceau, nul doute que le mot « musique » correspondra ensuite à un ensemble bien plus vaste, et décrira un paysage dont les limites sembleront repoussées hors des point où la vue porte. C’est par là que ça se passe.

Et comme Frank Zappa, adolescent, développait des attitudes de fan envers Varèse, on dispose aussi d’un texte dans lequel il lui rend hommage à travers le récit de la découverte d’un de ses disques. La lettre peut être lue ici.

Et pour finir, je me suis rendu compte, un peu par hasard, que dans la publicité pour la firme Orange, celle qui montre que les mots peuvent avoir plusieurs sens, il y a une image qui est complétement bidonnée, puisqu’on y fait croire que la Vénus endormie de Giorgione fait 5m de haut, alors qu’elle n’en fait qu’un. Dès lors, on ne sait pas trop devant quoi les deux visiteurs ébahis s’ébahissent. La publicité, ainsi que le détail de ce grand n’importequoi se trouvent ici.

Le problème avec les évidences, c’est qu’elles peuvent devenir ennuyeuses. C’est comme le désir : il n’y a que la première fois qui compte, et contrairement à ce que disait assez malignement Corneille, ce n’est pas quand le désir s’accroit, mais quand ça ne se renouvelle plus, que l’effet se recule.

C’est exactement ce qui commence à se passer avec Gorillaz : c’est la même ardeur qui nous brûle, les mêmes effets déjà utilisés, les mêmes sons orchestrés en gros de la même manière, et le désir, dès lors, se met en berne. Parce que la perspective dans laquelle Damon Albarn nous a introduits, ce n’est précisément pas celle de la répétition, de la redite, mais celle de la découverte, de la non satisfaction dans la complaisante resucée de vieilles recettes.

Dès lors, ce Stylo laisse un curieux goût en bouche : dans vingt ans, on ne saura plus à quel album il appartient, tant ses rythmiques sont exactement celles qu’on pourrait attendre des précédents albums, si on ne les connaissait pas déjà par coeur. Et à l’heure où sort un nouveau Bomb the Bass, on se surprend même à regretter les Buggys dans lesquels les uns et les autres avaient empilé leurs auditeurs, pour des virées pas piquées des hanetons dans les dunes et sur les routes défoncées des paysages numériques.

Ajoutons une couche de slade shading sur les personnages en carton pixel de Gorillaz : Stylo, en tant que clip, n’est pas la première évocation vidéomusicale de Vanishing Point, de Safarian (1971). Outre la réincarnation par Eastwood lui même du conducteur prototype Kowalski dans Gran Torino, le groupe Audioslave avait déjà fait siennes les dérapages contrôlés de la Dodge Challenger RT pour le clip de Show me how to live (2002). Le groupe tout entier prenait la place de Kowalski dans le coupé pour une virée habilement montée partir des images même du film. Illusion inverse de celle de Gorillaz : des personnes réelles dans un monde fictif, là où 2D, Noodle, Murdoc Nicalls et Russel Hobbs sont artificiellement plongés dans une réelle Chevrolet Camaro, poursuivie par un tout aussi réel pick-up El Camino (de chez Chevrolet), au volant duquel les canarde un Bruce Willis tout en chair et en os. Comme souvent, on joue un peu sur l’amnésie collective pour refourguer d’efficaces sensations certes, toutefois déjà rencontrées auparavant. Le fait que Gorillaz soit ici bien plus performant, car nettement plus spectaculaire ne doit pas forcément être pris pour un progrès : on le sait, ce n’est qu’affaire de budget. Et la débauche de technique nécessitée par les personnages animés fait un peu trop numériquement propre dans un univers auto qui doit sentir l’huile cramée des V8, les fuites de carburant, l’odeur rance du skai brûlant. On est finalement loin de l’hommage que Tarantino rendait à cette veine cinématographique dans Death Proof.

Tout de même, les deux clips alignés, en se gardant le premier pour la fin :

Et je glisse en douce un lien vers l’outremonde, dans lequel j’ai déjà, par le passé, chroniqué Vanishing Point, en le mettant en parallèle avec la philosophie, [ici]

Pour ceux qui suivent, et qui tels des Spectromen ou des Biomen en goguette, passent allègrement d’un monde à l’autre, voici les ajouts récents du monde parallèle censé être plus pédagogique que celui ci (bien que, parfois, je me demande…)

Une fiche de lecture du Travail sans qualité de Sennett, par Stan, une jeune recrue que nous n’avons point bizutée, puisque c’est désormais interdit.

Une lecture de Kant, qui provoquerait ici même des protestations, j’en suis sûr, par Roger Pouivret, dans son l’Oeuvre d’art à l’âge de sa mondialisation.

Un ouvrage du genre « La chimie amusante », mais en économie, deuxième tome des freakonomics, parfait pour la récré, avec les choco BN et le cacolac bu à la paille.

Une petite réflexion sur l’invasion de la 3D au cinéma (la hantise des amblyopes, disons-le au passage, mais je ne ferai pas de cette histoire une affaire personnelle, c’est juste que je me demande si tout ceci a un quelconque intérêt), à travers un article du New-yorker qui fait le point sur la question.

Une incitation à aller se confronter à la mort, et au mal, au musée d’Orsay (c’est toujours tentant, ça, se confronter au mal, non ?), à travers l’exposition Crime et Châtiment (qui aurait tout aussi bien pu s’intituler Surveiller et punir)

Et une autre incitation, pour une exposition à l’humeur moins sombre, Vinyl, à la Maison Rouge.

Un programme allégé, par la faute des multiples missions s’accumulant dans l’emploi du temps des profs, sans que cela donne lieu à une quelconque rémunération supplémentaire (mais bon, qui voudrait que les gamins ne soient pas correctement inscrits sur le processus APB, et n’aient pas, à cause de cela, d’avenir dans les études, hein ?…

Me faisant à l’idée de parler tout seul, et m’habituant à percevoir les échos de ma propre voix se réverbérant sur les parois de la cellule désormais presque vide (je dis « presque », parce qu’une étude attentive des IP se connectant sur ces pages montrerait qu’en réalité, certains pointent leur nez, mais tournent aussitôt les talons, vérifiant juste que non, décidément non, il ne se passe rien (et on mesure, d’ailleurs, à quel point nous sommes mûrs pour les dispositifs hadopi, loppsi et désormais Apsa, quand on imagine que certains pensent qu’on peut venir comme ça, sur un site, sur la pointe des pieds, et que sous prétexte qu’on n’y laisse pas de commentaire, on n’y a pas laissé mille traces de son passage ! (mais bon, je ricane, je ricane, mais en realité, je suis aussi reconnaissant de ces visites, et si je scrute les IP, c’est bien parce que toutes les visites ne se valent pas, et que j’en guête certaines plus que d’autres))), je dois reconnaître que je n’alimente pas beaucoup cette page ces derniers temps.

C’est tout simplement que l’Etat, qui est mon patron, semble avoir décidé que l’argent qu’il mise sur ses employés serait bien plus rentable s’il leur donnait plein de nouvelles choses à faire, les convoquait pour des réunions à n’en plus finir et les remerciait en leur donnant de nouvelles responsabilités. Pourquoi pas. En même temps, s’il y a tant de boulot à abattre, pourquoi vouloir à ce point diminuer notre nombre ? Eh bien, l’avantage de ce nouveau mode de management, c’est que le personnel n’a même plus le temps de se poser la question !!

Toujours est il que les articles se font rares. C’est dommage, j’ai des choses à partager, mais il faudra patienter un peu.

En attendant, je vous propose, tel des X-Or, des Spectroman ou Sankukai en goguette, de vous égarer dans l’outre monde, puisque j’y ai mis en ligne des articles certes moins audacieux que ceux que je peux me permettre de proposer ici, mais qui trouveront peut être néanmoins leur public (à y réflechir, ce n’est pas innocent, ce second effet kiss cool de la surcharge de travail : ça oblige à prioriser, et ce qu’on met en tête des priorités, c’est justement ce qu’il y a de plus sage. Et après ça, on dira que le travail n’est pas un moyen de contenir la population ?… Tsssss…

Au programme ce mois ci :

- la liste d’achats du rayon philo du cdi de mon lycée (ce qui, je le reconnais, n’intéressera pas grand monde)

- plein de réflexions à propos du travail, dont un texte de Kant sur la nécessité de mettre les enfants au travail (oui oui), et une question cruciale, que tout le monde se pose dès qu’il franchit la porte de son lieu d’emploi : « En quoi réside pour l’homme la nécessité de travailler ? ». Et puis pour ceux qui préfèrent lire avec les oreilles, une émission de radio qui date de Juin dernier, sur le thème « Un homme libre peut il obéir ? » Problématique et propos un peu cousus de fil blanc, mais il s’agissait d’édifier les jeunes générations, et on y apprend toujours quelque chose ! Tout ça se trouve archivé ici même, il suffit de cliquer et un autre monde s’ouvre à vous.

Bon voyage pour ceux qui franchiront le pas. Et bientôt ici même, une proposition de réponse à la question qui nous empêche tous de dormir, du moins depuis qu’on la pose sur tous les écrans :  » Qu’est ce que l’identité nationale française ? » en partenariat avec le vainqueur du concours de sosie de Socrate, le philosophe slovène Zizek. Oui oui, je prépare ça, mais ça nécessite encore quelques ajustements (en même temps, je ferais peut etre bien de publier ça avant que notre gouvernement ne mette en oeuvre ses projets de filtrage ! Je me depêche donc.

Récemment, grâce au magazine Polka, qui n’est pas si mauvais que ça, j’ai découvert un photographe dont, immédiatement le travail  a provoqué cet effet particulier qu’on ressent, parfois, face à certaines oeuvres. La trentaine (mais peu importe), Polonais, Tomasz Gudzowaty voyage et rencontre, sur ses dernières séries, des sportifs. Problème : le mot « sport » est devenu tellement marchand qu’on voit mal désormais comment on peut le concevoir en dehors des circuits habituels de la consommation et de la communication publicitaire. Pourtant, Gudzowaty réussit à revenir, via le sport à ce qu’on pourrait appeler une discipline du corps. Et si on évite de découper l’homme en deux, avec d’un côté le corps, et de l’autre, l’âme, chacun dans sa chambre froide, on pourra nommer ces pratiques « discipline de soi ». Souvent, il s’agit pour ceux qui les pratiquent, de gagner en maîtrise de la pesanteur. C’est en tous cas souvent sous cet angle là que ce photographe fige leur mouvement. Mais à aucun moment l’apesanteur n’est feinte, ni simulée. La photographie permet, simplement, de fixer ce moment d’élévation.

Il se trouve que Nietzsche est un de ces auteurs qui médite sur cette élévation personnelle. Sinon, le concept de « surhomme » ne serait qu’une saloperie pour sous-idéologie. Et en ces temps où le travail est dur, et rare, il n’est pas inutile de se confronter à des textes qui mettent le travail à sa juste place : au niveau du sol, c’est à dire en dessous d’autres pratiques, parfois vaines, parfois touchées par la grâce. C’est cette rencontre entre un écrivain en quête d’éternel retour, et un photographe qui permet cet éternel retour par l’arrêt du temps sur les mélanges argentique que j’essaie d’organiser ici : En un clic, vous allez vous dématérialiser là où vous êtes pour vous rematérialiser ailleurs, théoriquement là où je le décide si je me mélange pas trop les pinceaux dans le copier/coller du lien.

Pour découvrir davantage le travail de Gudzowaty, c’est à son adresse : http://www.gudzowaty.com et à celle de son galeriste : http://www.yoursgallery.pl/artist.php?action=details&artist_id=5

Dans le blog de l’outrespace, un petit article sans véritable approfondissement, incitant juste à aller lire Le Tigre (le curieux magazine curieux) de ce mois ci, ne serait ce que pour son article mettant en parallèle la publicité BMW sur la joie et la pensée de Spinoza, pour qui la joie est un concept central. D’un certain point de vue, ce n’est rien. Et en même temps, ça en dit long. C’est par ici que ça se passe : Joyride

Il se trouve que je participe au « dispositif » Lycéens au cinéma, qui a pour objectif d’emmener plusieurs fois dans l’année des élèves découvrir gratuitement des films. On ne sait pas pourquoi cela n’est pas déjà au programme de tous les élèves, et ce dès le plus jeune age, mais bon, on se contente de ce qu’on nous offre déjà. Il y a cette année au programme un Hitchcock (réalisateur qui revient d’ailleurs assez souvent dans le programme, d’année en année). C’est La Mort aux trousses qui est proposé cette semaine à mes élèves, aussi leur ai-je proposé, en plus du dossier gracieusement offert par la région, le fac similé (en somme, le scan) d’une interview de Hitchcock par Douchet, dans les Cahiers du Cinéma de Décembre 1959, au moment de la sortie en France du film. L’interview est assez intéressante, Hitchcock y cabotine quelque peu, il détourne aussi l’attention des véritables enjeux de son film, mais ce n’est pas étonnant : le film joue de bout en bout, lui même, la partition de ce brouillage général des pistes. Douchet, à lire le livre qu’il consacrera plus tard à Hitchcock, n’était pas dupe. A lire, aussi, dans le même numéro 102 des Cahiers, la critique du film par Luc Moullet, autre nom qu’on aime lire en sachant ce qu’entre temps il aura lui même proposé au cinéma. Pour récupérer tout ça, ça se passe là : Hitchcock par lui-même